Si sres aqui un pedido que fue realizado por el colega German Curti de Rosario (que participa en este numero con una historieta)que podria haber llegado antes de no ser por la inoperancia del correo argentino que asi lo impidió la primera vez. La gente de indyplanet cumplió con lo pactado en forma y termino y es una manera que hemos encontrado para proveerles a uds la posibilidad de tener un ejemplar impreso,de gran calidad,en la puerta de su casa y a un costo bastante accesible. Aqui las palabras de German con respecto a la Barricada especial#1:
Bueno, confirmado!En efecto, la gente de USA se portó y -gracias a la insistencia de Fer- envió las Barricada Edición Especial.Adjunto fotos de la tapa y contratapa para subir al blog :)Les comento que la calidad es muy buena; hasta me atrevo a decir que no tienen nada que envidiarle a las publicaciones de Thalos...En fin, para arrancar el año con optimismo: por muchas Barricada más!Saludos a todos, Ger Curti
*Para acceder a la compra de uno o mas ejemplares solo debe dirigirse al costado de este blog donde esta el enlace puesto sobre la foto de la tapa en cuestión.
Abs: Lo primero que querría, Mr. Harryhausen, es compartir con usted un momento familiar que disfruto mucho: los domingos por la tarde veo junto a mi hijo de cuatro años algunas de sus películas; puedo ver en el brillo de sus ojos los primeros destellos de emoción ante la fantasía y me gustaría darle las gracias por ello.
Harryhausen: ¡Oh! ¡Maravilloso! Gracias. Me alegra mucho escuchar estas cosas y comprobar que mis películas aguantan tantos años, ya que las hacíamos con presupuestos muy limitados y tenían la consideración de películas de serie b, y en cambio veo que permanecen más que otras películas rodadas con muchísimo más dinero. En los años 50 mis películas de fantasía no eran tan populares, y como mucho contábamos con 200.000 dólares, que es lo que ahora se gastan en el diseño de un solo personaje. Todo ha cambiado mucho: ahora se gastan millones.
Abs: Veo despertar en mi hijo el sentido de la maravilla, la aventura y la fantasía. A usted, ese magia, viendo King Kong, le llevó a hacer de la stop-motion su vida.
Harryhausen: Sí, así fue. Vi King Kong con quince años y sentí el despertar de la fantasía, que cambió mi vida. Me llevó muchos años descubrir la técnica de la fotografía stop-motion y de ahí pasé a hacer películas.
Abs: Se requiere mucha paciencia para hacer sus efectos especiales.
Harryhausen: Mírame: perdí todo mi pelo rodando efectos de stop-motion (risas). Realmente, es una técnica que no todo el mundo puede hacer. Me llaman muchos jóvenes con preguntas: «¿Qué tipo de film? ¿Dónde pongo la cámara? ¿Quién hace las armaduras?». «Las armaduras también tienes que hacerlas», les digo, «tenéis que hacerlo todo». Afortunadamente mis padres me ayudaron mucho. Les interesaba, y mi padre tenía experiencia con máquinas. Ahora se pueden ver mis primeros experimentos y creaciones en el dvd Ray Harryhausen: The Early Years Collection, que incluye cuentos como los de la Madre Oca o Caperucita Roja, entre otros. Seis en total, en los que se puede apreciar mi proceso de aprendizaje.
Abs: Un comentario frecuente entre aficionados, cuando comparamos la stop-motion con los efectos digitales actuales, es que a estos les falta algo, pero no sabemos qué. Supongo que si usted ahora fuera joven también utilizaría efectos digitales.
Harryhausen: Son dos preguntas complicadísimas. Los tiempos han cambiado. Cuando yo empecé estaba obligado a utilizar sólo la imaginación para diseñar las criaturas y desarrollar la técnica. No había libros sobre stop-motion, por ejemplo. Ahora puedes encontrar unos cuantos. Tampoco había libros sobre dinosaurios. Yo utilizaba los de Charles Knight, pionero y maestro de la ilustración de monstruos prehistóricos, que los rediseñaba a partir de sus esqueletos y restos. Sus dibujos me impresionaron mucho. En realidad, mis otra gran influencia fueron los ilustradores victorianos, especialmente John Martin y Gustave Doré. Sus grabados son impresionantes, y El Quijote de Doré una delicia. Ilustraban historias muy clásicas, algunas bíblicas, que influyeron no sólo en mí sino también en directores como Cecil B. DeMille. La fuerza de esas ilustraciones victorianas es tal que yo diseñaba mis criaturas dibujando en blanco y negro, porque sólo así me parecían verdaderamente poderosas. Quizás sea eso lo que explique las diferencias, pero es muy difícil dar con la respuesta.
Especial para estas navidades,lo comparto con uds no sin antes desearles que la pasen bien y que ya cerca del 2010 nos encuentre con salud,rodeado de nuestros afectos y con trabajo.Es mi sincero deseo. Paz
Bue,para el que no compreda un soto como yo de ingles(alguito,nomas)se le va a hacer dificultoso,lo piola es ver el dibujito y oírlo hablar. Bueno les copio y pego la critica de Fleischer acerca de la película Avatar. Enjoya!
Un juego de búsqueda que saldrá este fin de semana en el suplemento de Zona de juegos(diario La voz del interior) la temática que elegí es la película que se estrena dentro de poco:Avatar. Espero les guste.
El proceso de un viejo boceto hecho hace mucho tiempo aras y que utilicé como practica para digitalizarlo. Use los programas PS C y Painter para el entintado y PS C3 para el coloreado.
Texto publicado originalmente en el prólogo del libro “El Zorro”, editado por Azake
El comienzo de la vida de este autor debemos colocarlo en Nueva York, en la medianoche del 25 de Junio de 1928. Sander Toth y su mujer Mary conseguían su propósito de formar una humilde familia con la llegada del pequeño Alex. Aunque parezca un tópico manido, lo cierto es que la familia Toth daba a su retoño un entorno artístico donde parece lógico que posteriormente desarrollara sus habilidades creativas de alguna forma. En su niñez, Toth se vio rápidamente atraído por las páginas dominicales de los periódicos, repletas de aventuras enérgicas y emocionantes, que se completaban con los seriales radiofónicos tan al uso en esa época. Las versiones de Terry y los Piratas y Superman, o el show de Red Skelton consiguieron despertar la imaginación de un jovenzuelo que decidió asistir a la High School of Industrial Arts para conseguir emular a sus ídolos. Pero pronto se dio cuenta que las clases de ilustración que recibía en la escuela no eran suficientes y comenzó a visitar a dibujantes profesionales, buscando aquello que no encontraba en las aulas. El joven aprendiz de dibujante consiguió llegar a autores como Frank Robbins, entintador en aquella época de Scorchy Smith, la serie estrella de su muy admirado Noel Sickles, Pero fue Sheldon Mayer quien le puso en el camino de lo que sería su trabajo posterior cuando hablando sobre el arte del cómic le dijo: “Clara y simplemente, cuenta una historia”. Una sentencia que podría resumir la futura obra de Alex Toth casi en su totalidad. Todavía en la escuela, comienza a trabajar por las tardes en Eastern, la editora de Famous Funnies y Heroic Comics, revista ésta donde debutaría en 1945. Durante dos años seguiría trabajando en la editorial hasta que Mayer lo introduce en la poderosa DC, editorial de la que nunca se desligó plenamente, aunque sus trabajos fueran intermitentes. Su primer periodo para DC comprende cinco años en los que trabajó en series como Green Lantern, All Star Comics, All American (con el personaje Johnny Tunder) o Jimmy Wakely. Es también en esta etapa donde Toth dibuja series románticas como Girls Love Stories o Girls Romances, una constante temática a partir de este momento en sus trabajos. Su traslado a California le lleva a dejar DC y, tras un breve paso por la tira Cassey Ruggles, firma con la pequeña editorial Standard, desarrollando una cantidad impresionante de historias románticas o bélicas. Series como New Romances, Popular Romance, Best Romance o Battlefield gozan de los exquisitos dibujos de Toth, que va afianzando su oficio y comprendiendo cada vez mejor la máxima de Mayer. Sin embargo, la quiebra de Standard y su incorporación al ejército trunca durante dos años su fulgurante carrera. Destinado en Japón, todavía realizaría una pequeña tira semanal para el periódico de la base, Jon Fury, premiada por el ejército americano. En 1956 vuelve a los Estados unidos y se instala en Los Ángeles, firmando con Dell Comics. Su trabajo en esta editorial es básicamente la adaptación a la historieta de series famosas de televisión. Roy Rogers, Rin Tin Tin y, sobre todo la adaptación de la serie de Disney El Zorro, centran su obra durante los casi 6 años que trabaja para Dell Comics. Un periodo que influye decisivamente en la decisión que le llevaría a dejar los cómics para trabajar en animación. Durante casi 8 años, Toth trabajó para la productora Hanna-Barbera en todos los campos de la creación de series de dibujos animados: desde el diseño de personajes hasta el story-board, su imaginación creó decenas de héroes que van desde los Herculoids al hoy casi considerado como un fetiche Space Ghost pasando por el aventurero Johnny Quest. Todas las series de la todopoderosa Hanna-Barbera durante la década de los 60 nacieron y se produjeron con el “toque Toth”. Pero si la productora aprovechó la inmensa capacidad y conocimiento del neoyorquino, fue éste quien sacó más partido. Los dibujos animados fueron la plataforma perfecta para el estudio de la figura humana en acción, para la búsqueda de la simplificación máxima que le dijera Mayer. Con la animación, Toth encuentra una economía de dibujo que no podía hallar en el cómic, pero también percibe la necesidad de ir más allá. El credo del historietista no se acaba en la simplificación: debe ser la narrativa, el storytelling, el por qué de esa simplificación. El efecto del trabajo en animación se puede ir contemplando en sus esporádicos trabajos para DC y Warren. Sus dibujo se reduce a los mínimos trazos que definen el movimiento del personaje. Su narrativa da un salto cualitativo y se convierte en el objetivo fundamental de su obra. Ya en los 70, Toth comienza a dar lecciones de maestría en revistas como Hot Wheels o House of Secrets en DC o en Creepy para Warren. Tras un breve paso por estas editoriales, vuelve a Hanna-Barbera para encargarse plenamente de la gran apuesta de la productora,Super-Friends. Su experiencia previa en DC es decisiva para el desarrollo completo de la serie durante casi cinco años. Los clásicos superhéroes son tratados por Toth de una forma distinta y única hasta el momento. Por primera vez, los personajes de la DC toman vida propia y exhiben un dinamismo desconocido. Su vuelta al mundo del cómic se caracteriza por la dispersión. Toth comienza a trabajar de nuevo para Warren y otras editoriales pequeñas. Pero en este periodo, dibuja la que es considerada por muchos como su obra maestra y la mejor serie publicada jamás por Warren: Bravo for Adventure. La serie se comienza a publicar en 1980 en una revista menor, The Rook,tras cuatro años en los que Toth intentó infructuosamente conseguir un editor. La visión de la aventura basada en guapas chicas, coches veloces, aviones y un protagonista a lo Errol Flynn pasó sin pena ni gloria por un cómic americano donde se imponían otro tipo de formas de entender la aventura. La posterior edición por Dragon Lady Press y su paso por Europa le proporcionó un reconocimiento de sobra merecido. Durante la década de los 80, las historietas de Toth se publican casi con cuentagotas en multitud de pequeñas editoriales, en muchos casos reeditando antiguas publicaciones suyas o con compilaciones de su obra. Sin embargo, como el propio autor declaró muchas veces, el cómic que se hace a partir de ese momento deja de interesarle. Sus férreos principios éticos y morales entran en contradicción con unos contenidos que no le satisfacen. Buen ejemplo de esta actitud es el rechazo a seguir la serie Torpedo 1936 para el editor español Toutain. Los violentos guiones de Sánchez Abulí desagradan profundamente a Toth, que decide abandonar la serie con apenas dos episodios dibujados. Durante los 90, su obra original publicada se ve limitada a apenas unas ilustraciones para reediciones de sus obras, pero paradójicamente, se comienzan a reeditar sus obras de forma sistemática. A partir de las completas recopilaciones de Eclipse y sobre todo de las completas antologías editadas por Manuel Auad, la obra de Toth vive una revitalización importante que es paralela a la su continua colaboración escrita (especialmente destacable, ya que sus misivas rotuladas a mano han sido reproducidas siempre tal cual, aprovechando uno de los muchos aspectos en los que destacó este autor: la rotulación) en medios como The Comics Journal o Comic Book Artist .
Valoración e influencia
Su trabajo es ampliamente reconocido como una influencia mayor en una gran cantidad de ilustradores y animadores. Para el historietista español Josep María Beá, fue el dibujante que más le impactó en su vida, conmocionando a todo el equipo de Selecciones Ilustradas gracias a "su portentoso conocimiento de la anatomía humana, su síntesis gráfica, la novedosa planificación, el concepto del equilibrio tonal". Como él mismo sigue diciendo
El dibujante americano (cuyos singulares procesos neuroquímicos deberían ser analizados por el eminente biólogo Pierre Changeux), había sobrepasado el listón marcado por Caniff, Sickles, Crane y Robbins, su propuesta técnica daba vértigo. Dibujar mejor que Toth es intentar cruzar el umbral de la sobrenaturalidad.
JOHN BUSCEMA: EL MEJOR DIBUJANTE DE COMICS DE TODOS LOS TIEMPOS
Hace tiempo que tenía pensado publicar este artículo sobre John Buscema, para así poder exponer y compartir mis sensaciones sobre uno de los más grandes dibujantes de cómics de todos los tiempos; en mi opinión, el más grande. A nadie que conozca el cómic americano se le escapa que Buscema fue uno de los artistas más admirados e influyentes de la historia del comic-book, además de un autor muy prolífico y capaz de realizar muchas páginas al mes, al igual que Jack Kirby.
La imagen de Big John entre los aficionados al 9º Arte es desigual y contrastada; por un lado están los que lo reconocen plenamente y lo sitúan donde debe estar, en el Olimpo de los más grandes, pero por otro lado, hay un sector que se resiste a situarlo junto a Neal Adams o Jack Kirby, entre otros, debido a muchos de sus trabajos en los años 70, cuando era requerido por Marvel para realizar cuantos más cómics al mes mejor, llegando a apenas abocetar muchos de ellos y dejando el resto del trabajo al entintador de turno. Evidentemente el resultado final de muchos de esos trabajos era bastante inferior al del resto de su obra, ya que encima, varios de los entintadores que tuvo a lo largo de los 70, eran de estilo muy marcado y apenas se puede percibir el estilo de John bajo sus tintas; en todo caso, en la narrativa y en el diseño de página (por algo realizaba la composición y los bocetos), pero poco más.
John vivió en una época dura para un dibujante de cómics. Entre los 50 y los 60, tuvo que buscarse la vida como pudo, llegando a trabajar en el campo de la publicidad y dibujando los cómics que podía, que en aquella convulsa época (recordemos la famosa caza de brujas del Dr. Wertham), no pasaban de ser algunos cómics románticos para chicas y algún que otro cómic de género policíaco o western. Fue a partir de mediados de los 60 cuando le llegó su gran oportunidad en Marvel. Su llegada a la "casa de las ideas", coincidió casi con la marcha del Rey Kirby y debido a su enorme talento, fue pronto el sustituto natural de Jack como artista principal de la editorial. Al igual que pasaba con Jack Kirby, John era muy rápido dibujando y era capaz de dibujar varios cómics al mes, lo que propició que Stan Lee hiciera con él, lo mismo que había hecho con Kirby, tenerlo como piedra angular en las principales colecciones de la casa y hacer que todos los jóvenes dibujantes se fijaran en él como modelo de estilo a seguir. Si salía al mercado algún título nuevo y John estaba demasiado ocupado como para poder dibujarlo, al menos, solía dibujar el primer (o los primeros) número, para así comenzar la colección con fuerza y con el nivel muy alto, aunque pronto le sustituyeran otros artistas. Si habían cómics de Conan el bárbaro que no tenía tiempo de dibujar, le pedían que los abocetara y luego eran terminados por Alfredo Alcalá o Ernie Chan, entre otros. En fin, que esto provocó que en muchos de esos cómics de Conan entintados por Alcalá o Chan, apenas se percibieran las facciones toscas que John le imprimía al bárbaro más famoso de la historia de los cómics y parecían, o mejor dicho, eran prácticamente dibujados por los entintadores.
Ya entrada la década de los 80, el panorama en Marvel había cambiado bastante y muchos jóvenes valores como John Byrne, Frank Miller o Walt Simonson imprimían su huella en los personajes clásicos de la casa, haciéndolos evolucionar. Precisamente en esa época, es donde encontramos algunas de las mejores obras de la carrera de John Buscema; pasó el tiempo y debido al éxito de todos esos jóvenes autores estrella, ya no era tan solicitado, o al menos no del mismo modo que en los 70 y precisamente por eso, pudo dibujar con más calma y en varias ocasiones incluso entintarse a si mismo, algo que apenas había hecho unas pocas veces a lo largo de su exitosa trayectoria en los 60 y 70. En esas obras es donde uno se da cuenta de lo mal que le sentaban la mayoría de los entintadores a John Buscema, ya que era uno de esos dibujantes (como Gene Colan) al que era muy difícil entintarle y hacerle verdadera justicia. Si tuviera que quedarme con un entintador ideal para John, diría que el mejor ha sido Tom Palmer (igual que con Colan), sin duda fue el que le hizo más justicia; de todas maneras, el mejor John Buscema siempre será el que se entintó a si mismo; lástima que no lo hiciera más a menudo, pero eran otras épocas.
Llegado a este punto, es cuando debo apuntillar algunos detalles para demostrar lo que reza el título del post. John siempre se declaró admirador de los clásicos más realistas de las tiras de prensa, especialmente de Alex Raymond y Harold Foster. Y viendo su obra, uno se da cuenta de que el legado de Raymond y Foster siguió en el campo de comic-book de la mano de Buscema, aunque como he dicho antes, donde se nota más, es en los trabajos que pudo realizar con más calma y entintándose a si mismo. También es cierto que John siempre fue muy modesto, llegando a decir en alguna ocasión que él no se consideraba un artista, que artista era por ejemplo, Velázquez. También llegó a repudiar públicamente el género de los super-héroes, que precisamente fue el género donde llegó a triunfar definitivamente y es que John, en parte, se sentía frustrado por no haber podido hacer siempre el tipo de cómic que a él le hubiera gustado y supongo que el haber tenido que realizar tantos cómics abocetados y con un resultado final tan poco a la altura de su talento, tampoco ayudaba, pero eran otros tiempos y a diferencia de hoy en día, un dibujante de Marvel o DC no ganaba mucho dinero, por más estrella de la casa que fuera y si podía dibujar 3 cómics al mes, mejor que 2.
Dicho todo esto, es cuando debo afirmar que para mi, John Buscema es el mejor dibujante de cómics que ha existido y para poder comprobarlo, uno debe dejar a un lado buena parte de su obra y centrase en ese exclusivo puñado de obras que comento más arriba y que Big John pudo realizar con más calma y realizando sus propias tintas. Para ello, recomiendo contemplar con detenimiento las siguientes obras:
> La novela gráfica Conan el bárbaro (adaptación oficial de la película), publicada en el Marvel Super Special nº 21 en los USA (1982) y dentro de la colección de novelas gráficas de Conan en España.
> El Annual nº 13 de The Mighty Thor (1985), publicado en España dentro del primer volumen de Forum y en el último tomo (37) de la Biblioteca Marvel: Thor.
> La novela gráfica Lobezno: Elecciones sangrientas, publicada en los USA en 1991 y en España en 1992.
> El 2º tomo de Los mejores autores de Conan dedicado a Buscema que publicó Forum (concretamente el 6º de la colección), ya que en el primero se incluían obras entintadas por varios autores, pero en el segundo se decidió incluir solo obras entintadas por él mismo.
Además de todo esto, yo siempre digo que hay una cosa de la que estoy totalmente seguro y es que si juntas calidad con rapidez, John no tiene competencia. Si existiera la manera de juntar en un espacio atemporal a los mejores artistas de la historia del 9º Arte (a los lectores de cómics no nos falta imaginación), cada uno en su mejor momento personal y compitiendo en un concurso para ver quien sería capaz de hacerlo mejor; primero con tiempo ilimitado, para que cada uno pudiera dibujar lo que quisiera con todo lujo de detalles; y después con tiempo limitado, a ver quien es capaz de hacer los mejores dibujos en poco tiempo. Estoy totalmente convencido de que el mejor sería Giovanni Natale Buscema. FRASE DE JOHN BUSCEMA: Sí... yo amaría los cómics... realmente los disfrutaría si... Por ejemplo, yo conocí a Victor de la Fuente, que es un magnífico artista y le pregunté: ¿cuanto tiempo echas en una página?, me dijo: un día para el lápiz y otro para la tinta. Si yo tuviera ese tiempo, amaría mi trabajo. Pero había ocasiones en las que tenía que hacer siete páginas en un día, ¿como me puedo enamorar de eso?. Miren, conozco mucha gente que me dice: John, si no te gustan los cómics, ¿como has llegado a hacer un trabajo tan bueno?. Les digo que tenía dos opciones, hacerlo o rechazarlo. Si lo acepto, debo hacerlo lo mejor que pueda, si no, no lo haría.
John Buscema era por encima de todo un magnífico profesional, pero en su interior siempre llevó la amargura de no poder hacer como Víctor de la Fuente o tantos otros artistas europeos, o sea, dedicar mucho tiempo a cada página, a cada viñeta, en vez de tener que dibujar 3 o 4 páginas al día. Si lo hubiera podido hacer, estoy seguro de que sería aclamado unánimamente como el mejor dibujante de cómics que ha existido sobre la faz de la tierra.
Otro personaje de Jorge Vila,el creador de Galaxer. Tenia ganas de dibujar algo con vectores y aqui esta el resultado.Muy inspirado ademas en el trabajo de Cheeks Galloway. Espero les guste.
Aprovecho esta oportunidad amigos y colegas para saludarlos y agradecerles por siempre estar escribiendo comentarios y tirando su buena onda,que aunque parezca que no a veces,a mi me gratifica y pone las pilas. Les deseo una feliz navidad con su flia y un buen 2010. Éxitos!
Hoy redescubrí una vieja carpeta que tenia guardada con algunos estudios de cuando aún no me dedicaba profesionalmente a la ilustración. Pese a los suelto y poco pretencioso de estos dibujos(porque no fueron hechos mas que para mi y como una manera de agilizar el trazo y estudiar diferentes figuras),noto la pasión que le ponía a los mismos. De alguna manera me agarro cierta nostalgia al verlos y pensaba lo dificil muchas veces que es mantener ese espíritu,alejarse de la critica y soltarse a hacer lo que uno le viene en gana. Algunas veces lo cumplo otras veces no,pero al menos intenté no defraudarme a lo largo de estos años y no defraudar a aquel dibujante que fuí y soñaba con trabajar de este oficio que tanto me apasiona. Hoy con cierto camino recorrido,pienso que lo mejor aun esta por llegar y que todo lo aprendido si sirvió para algo y que estos mismos dibujos que quedaron archivados,hoy puedo mostrarlos y saber que el otro lado hay una recepción por parte de uds. Podrá gustar o no,pero es a raíz de ese solitario trabajo el que fue surgiendo cierto estilo y el dibujante de hoy. Espero les guste.
