Roy Crane y Buz Sawyer (2da parte)

Una de las tantas autocaricaturas de Roy Crane, quien supo aunar la comedia con el drama en sus historietas. Su humor era el reflejo de su bonhomía y de su temperamento personal.

Vale la pena observar los detalles del arte de Roy Crane y algunas de sus características, en base de una pequeña selección temática de sus tiras.

El uso del Craftint le daba una característica única a la tira de Buz Sawyer. Posteriormente, su ayudante Leslie Turner y continuador de la serie Captain Easy, lo utilizó con gran habilidad.
El Craftint consiste en una cartulina preparada de fábrica para recibir dos emulsiones, una de las cuales resalta una trama de líneas oblicuas, y la otra descubre una trama cuadriculada:

Crane dibujaba con el pincel embebido en la emulsión y lograba resultados fantásticos.
Las dos tiras siguientes son escaneos de originales, tomados de la red:




El formato chato de las tiras de diario incentivaba a Crane a lograr soluciones inusuales para mostrar adecuadamente las imágenes:

En Buz Sawyer abundaban las onomatopeyas, y además, Crane utilizaba diferente tipografía para caracterizar a algunos personajes. Las letras de los globitos del Barón Loco se asemejan a las letras góticas alemanas; y los japoneses "hablan" con letras hechas con trazos parecidos a los de la grafía oriental:

Una tira ejemplar: Crane prefiere evitar el texto superfluo y expresarse más con las imágenes.

Roy Crane fue un verdadero maestro de la acción en secuencia continua, y no sólo dentro de cada tira, sino continuando de una a otra; casi un dibujo animado:

Los movimientos conservan un toque caricaturesco, pero son veraces y concordantes.

Otra secuencia magistral de Buz huyendo por los techos. Excelente aplicación del Craftint y las siluetas. Las tiras en conjunto no desarmonizan al formar una página:

Una fenomenal secuencia nocturna con Buz en una locomotora a todo vapor. Nuevamente el dominio de las sombras y el Craftint crean una secuencia antológica:




A lo largo de las presentaciones que hemos visto, se capta la preocupación por la documentación y la creación de ambientes, que a veces parece un afán paisajístico de Crane:

Muchas veces, el autor de Buz Sawyer visitó bases e instalaciones militares para documentar con fidelidad sus dibujos. En la foto, practicando en una aeronave de un portaaviones:

Roy Crane obtuvo, en 1950, el Reuben Award of National Cartoonist Association, como Cartoonista del Año; en 1965 le fue otorgado el Story Comic Book Award.

Su última tira apareció el 21 de abril de 1977; él falleció en Florida el 7 de julio de 1977.
Buz Sawyer fue continuado por otros dibujantes y argumentistas hasta 1989, pero ya no era la misma historieta, ni gráfica ni argumentalmente.
Fue convirtiéndose, desde los años de Wash Tubbs y Capitán Easy hasta Buz Sawyer, en el referente de la línea clara en dibujo, y en cumbre de la técnica historietística.

Roy Crane y Buz Sawyer (1ra parte)

Sesenta años atrás, leíamos las aventuras de Buz Sawyer en Intervalo y El Tony, en El Libro de la Historieta y en el Album de Pif -Paf , de Editorial Tor, publicaciones que rearmaban en página el formato de la comic-strip. Más tarde, lo veríamos en los cuadernillos apaisados de Gran Bonete, que publicaba las tiras tal como venían del syndicate; algún diario rioplatense lo presentó con el nombre de As Solar (!).

Buz Sawyer comenzó a publicarse en noviembre de 1943 y, naturalmente, Buz era un aviador que combatía en la guerra de USA contra Japón (como Terry Lee y Johnny Hazard), pero pronto volvería a la vida civil y sus aventuras se harían divertidas y pintorescas.

Las dos primeras tiras de Buz Sawyer, quien aparece en la segunda, acompañado por su amigo Rosco Sweeney, quien luego protagonizaría la página dominical de la historieta:

El creador de Buz Sawyer fue Roy (Royston Campbell) Crane, un texano de 42 años, que ya había cosechado enorme popularidad con su tira Wash Tubbs, rebautizada Captain Easy (aquí conocido como Capitán César, y Capitán Albert) por el éxito de este personaje secundario.
Roy Crane continuaría la realización de Buz Sawyer hasta su fallecimiento en 1977.

Ya en una de las primeras aventuras, Crane se dibujó a sí mismo como un personaje eventual:

Buz Sawyer fue una de las historietas más completas que se han publicado y debido a la experiencia de su creador, fue buena desde su principio. La conjunción de argumento y dibujos de gran calidad, el cuidado en la documentación y ambientación, la simpatía y nobleza de sus personajes, las entretenidas peripecias y, sobre todo, el claro y perfecto canon historietístico que Crane practicaba con absoluta maestría, llevaron a Buz Sawyer a los primeros puestos de preferencia de los lectores; de todos los lectores: los que lo leían por puro entretenimiento y quienes se interesaban en la técnica y el arte de la historieta.

Una de las circunstancias poco y nada habituales en las historietas de esos tiempos: el rostro de Buz cambia (y, en rigor, adquiere más carácter):

Con el tiempo, Buz Sawyer contraerá matrimonio con la simpática Christy Jameson (y Crane recibirá las felicitaciones de Harold Foster, gran admirador suyo). Roy Crane, que se había iniciado en su juventud como ayudante del caricaturista H. B. Webster, conservó siempre la veta humorística y amable de su anterior creación, aunque más apaciguada, y así desarrollaba breves interludios graciosos, románticos o domésticos:

Las jóvenes mujeres que delineaba correspondían físicamente a un determinado tipo femenino y tenían importancia en el desarrollo de las aventuras:


Una dama inolvidable: Sultry, o Cobra, apasionada e inescrupulosa, pero capaz del sacrificio máximo por Buz:


Cada elemento que agregaba Crane era un acierto seguro, como, por ejemplo, los villanos enemigos de Buz. Ahí estaba el crudelísimo mister Sparrow, sádico, rencoroso y acomplejado, que esporádicamente reaparecería en diferentes episodios:


Otro de los malvados fue el Barón Loco, un obsesionado maligno y brutal:


Buz también debió enfrentarse con los Hombres Leopardo, clásicos villanos en las aventuras de la época:

El estilo de dibujo de Roy Crane, pulido y preciso, y su guion propio, inteligente y adecuadamente desarrollado, hicieron de Buz Sawyer una historieta modelo del género.

A continuación, la 2ª parte de esta nota.


*Extraído de http://chiquirritipis.blogspot.com/2009/04/buz-sawyer-de-roy-crane-1943-1-parte.html

Entrevista a Fontanarrosa (revista Sudestada)

Fontanarrosa: “En el humor, lo que funciona es el aquí y ahora” Por: Sudestada Rosarino, humorista y escritor (en ese orden), Roberto Fontanarrosa accedió a una charla sin desperdicio con Sudestada. La palabra de uno de los hacedores de historias más talentosos del país. Arremolinados cual moderna versión sureña del malón de Pinzén, los integrantes del staff de Sudestada rodeamos al escritor y lo dejamos sin escapatoria. El hacedor de personajes tan entrañables como Inodoro Pereyra, Boggie, Mendieta y la Eulogia tenía algo para contarnos. Los que siguen son algunos tramos de la charla con Roberto Fontanarrosa a lo largo de un desordenado reportaje donde se abordaron temáticas diversas, desde la tapa amarilla de la colección Robin Hood hasta los eruditos en palos borrachos. Cómo es eso de ir y venir a Buenos Aires, ¿estás acostumbrado a las dos ciudades? Buenos Aires me es familiar en ciertos circuitos porque es muy grande, hay zonas por donde no he ido nunca. Por momentos me da la impresión de que Buenos Aires es medio inabarcable. Casi siempre mis circuitos estuvieron ligados a donde estaba ubicada la editorial, no salgo mucho de eso, pero me resulta una ciudad bastante familiar y con mucha gente amiga. De cualquier manera, volviendo un poco a la primer pregunta, tengo la sensación, más bien es una sensación que una certeza; y por lo que me cuentan amigos míos que viven en ciudades grandes: a chances económicas parecidas, la calidad de vida es mejor en ciudades más chicas. La ciudad es más tranquila, hay menos despelote para estacionar, el tráfico, son menos violentas, a medida que van achicándose, hay menos problemas desde ese punto de vista. ¿Ya conocés las mañas de la gente? Sabés que pasa, que Rosario tiene características muy similares a Buenos Aires; es como una Buenos Aires chiquita, desde el punto de vista del diagrama social, por llamarlo de alguna manera. Es una ciudad fundamentalmente italiana de inmigrantes, una ciudad portuaria, una ciudad más tanguera que folklórica, muy futbolera como Buenos Aires. Está demasiado cerca de Buenos Aires, entonces tiene todos los tics y todas las manías. Están los resquemores propios del interior hacia la Capital, están los comentarios de la gente grande que dice que Buenos Aires nos robó el puerto, que era un puerto muy importante y la gente de acá hizo una cantidad de cosas para de alguna forma destruirlo, cantidad de partidos de fútbol que nos han afanado... Todas esas cosas que cuando no estaba la televisión, era mucho peor. Incluso esto lo cuentan los jugadores y dicen que era un choreo total, pero bueno, la verdad, cuando iban a Rosario también los afanaban, el localismo se daba en todos lados. Pero no hay así una diferenciación con el porteño, como por ejemplo, que vaya gente de Buenos Aires y sea tratada distinto como sí puede llegar a pasar en cualquier lugar de Latinoamérica, por ejemplo. ¿Tu formación literaria comenzó con tu trabajo en la historieta? Era anterior pero muy caótica. Te digo que el arranque de todo esto surge del gusto por la lectura, aunque más que nada yo leía historietas, y a veces la historieta genera un buen hábito de lectura, mejor dicho, genera un hábito de lectura que se supone que es bueno. Dentro de eso, por supuesto, es un género que a veces se toma muy a la ligera, no por los que lo leen sino por los que lo hacen; pero es como un instrumento: si vos lo usas bien pueden surgir cosas muy buenas, como El Eternauta, por ejemplo, que era una obra realmente fuerte y muy bien hecha. Nosotros tuvimos un poco la suerte de agarrar toda la época de Hora Cero y Frontera con Oesterheld, Hugo Pratt, todos estos tipos que ya te daban un nivel alto y mucho entusiasmo con respecto a la cosa del dibujo y todo eso. Y de ahí pasé a leer otro tipo de cosas, pero lo más cercano era la colección Robin Hood, esos libros amarillos donde estaba “El principe valiente”, era esa aventura romántica que uno leía porque se entretenía y no porque era obligatorio o por ser un intelectual. También estaban los libros de Jack London, estaba Colmillo Blanco, Joseph Conrad, Emilio Salgari. En mi casa, mi viejo no leía, pero mi vieja siempre leía lo que fuera, pero realmente para entretenerse. Después, a instancias de algunos amigos en la revista, empecé a leer mucho a los narradores norteamericanos, a Hemingway, Norman Mailer, Truman Capote, Sallinger, y me di cuenta de que era un poco la manera de narrar que a mí me gustaba o me gusta: tipos que cuentan algo bastante linealmente. Para mí fue como un descubrimiento empezar a leer autores argentinos, fundamentalmente porque hablaban como hablaba mi viejo o los amigos de mi viejo, porque yo leía la colección Robin Hood y eran traducciones al español de los ingleses, a mí me podía gustar más o menos pero los personajes no hablaban como hablaban en mi casa, entonces para mí eso fue un descubrimiento, pero como ya te dije, siempre leí muy caóticamente. ¿Y con la historieta, cómo te fuiste acercando un poco a ese mundo? Siempre había leído historietas y he tratado de dibujar esas cosas, en un momento me agarró toda la euforia de Pratt, pero que ya venía de otros dibujantes norteamericanos. Pero antes yo le copiaba mucho a Frank Robbins, que era un yanqui que dibujaba “Jhonny Hazard”, una historieta de aventuras absolutamente pro-yanqui que salía en El Tony. Jhonny Hazard era una especie de Indiana Jones, el estilo, todo, y había otro que a mí me gustaba mucho que era Roy Craine, que dibujaba un personaje que acá se traducía como Pepe Dinamita, era de un estilo de una mezcla entre humorístico y serio, un humorista del carajo. Pero después Pratt fue el que más nos influyó a todos. Yo quería dibujar eso, al humor no le daba pelota, simplemente leía el Patoruzú, el Patorucito, que salía en distintas historietas humorísticas, pero las leía y no me motivaban a copiarlas. Humor empecé a hacer en publicidad y después, en el año 1972, cuando empecé a ir a Córdoba por la cuestión de la revista Hortensia, se hacían salones de humor e historieta y ahí los conocí a Quino y Caloi, a todos ellos, y empecé a meterme en este asunto. Pero yo vengo del dibujo de historietas de aventuras, era lo que leía. Después dejé de leer historietas realmente, especialmente historietas serias, leía el Corto Maltés siguiéndolo a Pratt, ahora los pibes no leen, leen muy poco de todo y aparte, en esa época, la historieta era un género popular, vos subías a un colectivo y había alguno leyendo El Tony, Dartagnan, etc. El tipo de historieta cómica que hacés vos quedó en el medio, pasó la furia del mercado de adultos y... No, creo que también ha cambiado el mercado en general. Fijate que tampoco el mercado acepta una revista de humor, no hay revistas de humor después de años de tradición: de Patoruzú, Hortencia, Tía Vicenta, etc, lo que pasa es que todos los diarios y revistas tienen su sección de humor, los humoristas se han canalizado por ahí, porque siempre el humor tiene como un plus, un gancho sobre la historieta común. Aún el tipo que no lea, o lea poco por ahí lee algo si es humorístico, en cambio, la otra historieta exige un mayor conocimiento o devoción, pero yo creo que la cosa cambia bastante a partir de Clarín, es obvio que siempre hubo una rica tradición satírica y social en la Argentina, Caras y caretas y todo eso, pero cuando Clarín decide cambiar la página de humor en el año 63, saca todas la tiras extranjeras y las reemplaza por dibujantes argentinos. Eso tiene éxito, no porque los dibujantes argentinos sean mejores (todos aprendimos copiando y dibujando de cualquier lado), pero es muy sencillo: los dibujantes argentinos hacen humor sobre cosas que suceden acá, entonces Charlie Brown, que es una historieta maravillosa, a uno le puede gustar o no, pero los chicos sacan la nieve de delante de sus casas, festejan Haloween, juegan al beisbol, y vos decís... ¡qué carajo tienen que ver con nosotros! En cambio, Mafalda iba a Mar del Plata a veranear, el padre tenía un Citroen, es mucho más cercano. Entonces a veces pienso sobre lo que dicen, que un dibujante puede trabajar en cualquier lugar del mundo porque la imagen es un idioma universal, pero el humor no. En el humor, por los lugares donde yo he andado, lo que más funciona es el aquí y ahora, lo que está pasando en este momento y en este lugar; hay criterios universales, pero para trabajar sobre la noticia, si no conocés el medio y no sabés que pasa alrededor tuyo, y no tenés conocimiento de la cosa política y social más o menos, ¿qué hacés? Hacés algo turístico solamente. ¿Te ha tocado gente que te pregunte sobre Inodoro Pereyra, sobre algunas situaciones que vos viviste a través del personaje? Eso suele pasar pero no, yo siempre aclaro que nunca viví en el campo ni tengo ningún conocimiento directo de eso. Lo que pasa es que este es un país rural, de una cultura rural, aunque uno no lo perciba en primera instancia, pero es fuerte. Uno tiene encima la primaria y secundaria, la lectura del Martín Fierro, Don Segundo Sombra. Yo agarré precisamente en los 60 el boom del folklore, ojo que yo no tengo en casa un poncho y esas cosas, pero escuché mucho a Atahualpa, Zitarrosa, Alberto Merlo, porque me gusta. Y aparte, quieras o no, Rosario mismo está sitiada e influenciada por la situación del campo alrededor, hay una conexión bastante directa. Siempre digo que si durante tantos años en las escuelas la composición tipo fue la vaca, eso por algo es, muestra un perfil del país, hay mucha documentación sobre eso. Pero lo notorio es que hay libros para todo, absolutamente para todo, si a vos se te ocurre hacer una historieta sobre el palo borracho y te preguntás de dónde se consigue información, vas a una librería, seguro hay una góndola con 600 libros del palo borracho, porque algún pelotudo se pasó su vida estudiando cómo carajo crece el palo borracho y porqué las espinas... Yo no es que he leído cosas gauchescas para poder transmitir algo veraz, me importa tres carajos que sea veraz o no, yo siempre tengo la disculpa del humor, de la joda. Porque había historietas muy rigurosas sobre la vida gauchesca, pero yo me fijaba cómo era para ver si se me ocurría alguna joda, pero nada más. ¿Hubo gente que se enojó por alguna joda? No, por ahí al principio, cuando yo no tenía claro cómo iba ser mi historieta, hubo gente que pensó que Inodoro Pereyra era una joda hacia el gaucho, por ahí al principio tenían razón, no me acuerdo muy bien. Son temas por ahí medio sensibles porque están los tradicionalistas, los centros sanmartinianos, esos que a cada uno que escribe sobre San Martín van y le arman quilombo. Pero la cuestión es que, en general, no hubo demasiadas quejas al respecto. ¿Tus amigos se reconocen en los textos? Algunos están puestos con el nombre común si lo que ocurre no es demasiado vergonzante, si no me cuido, le pongo otro nombre o lo que sea. Una vez escribí un cuento sobre algo que realmente le había pasado a uno, se lo mostré y le pregunté si le parecía bien que lo publicara, pero me dijo “está bien”, y entonces lo mandé. Le pregunté porque nunca sabés en ese aspecto si le puede llegar a caer mal o no. ¿Dónde estabas cuando se jugó el partido de Central con la palomita de Aldo Poy? En mi casa y lo vi por televisión, fue uno de los pocos partidos que se trasmitieron en directo en blanco y negro, me acuerdo, y me quedé en Alberdi. ¿No te arrepentís por no haber ido? No, porque tenía tanta tensión encima que no hubiera aguantado la espera del partido, como hago con muchos partidos que se dan por TV, laburo hasta dos minutos antes que empiece, no aguanto ni cuando entran a la cancha y esperar que empiece. Estaba en Alberdi, solo, porque mis amigos se fueron casi todos a la cancha, no me acuerdo. ¿El cuento lo escribiste apenas terminó el partido? No, mucho después de aquel partido. Lo que a mí me atraía era eso de que todos tenían una anécdota acerca de dónde estabas vos el día de ese partido. Como es ahora lo de las torres gemelas o el asesinato de Kennedy o el terremoto del Caucete. Hay una película italiana, Un día muy particular creo, que era de la visita de Hitler a Roma, pero eso está en un segundo plano, hay una anécdota personal de Mastroianni y Sofía Loren y mientras tanto en la ciudad pasaba eso, entonces yo buscaba una anécdota que tuviera como marco de referencia a eso (el partido Central-Newells), pero fue muchos años después. ¿Con la OCAL (Organización Canalla Anti Lepra) tenés alguna relación? No, tengo un amigo que es de la OCAL pero no estoy adentro ni nada parecido. Recuerdo que una vez le estaba contado cosas del local al gordo (Osvaldo) Soriano y no lo podía creer, porque realmente es para no creer, entonces conté algunas de esas cosas en los cuentos y después ya todo el mundo suponía que no sólo era de la OCAL, sino que era el director o algo así. Es más, ellos fueron a Cuba y yo no participé de esas cosas ni tampoco cuando celebran la palomita de Poy todos los años. ¿Tu infancia la pasaste siempre en Rosario? Sí, nací y crecí en el centro de Rosario. Mi casa estaba a cuatro cinco cuadras de calle Córdoba, que es la peatonal, la calle principal. Pero, si se quiere, a cuatro o cinco cuadras ya no era tan en el centro. Crecí ahí y después cuando era grande me mudé a Alberdi, que es donde vivo ahora; un barrio realmente muy lindo que está sobre el río, un barrio mas residencial. Pero bueno la infancia fue bastante normal, fui a una escuela provincial... ¿Qué tal como alumno, te llevabas bien con el estudio? Sí, pero no necesitabas mucho para ser un buen alumno en la primaria, tenías que ser un monstruo para ser malo. La secundaria fue muy fallida porque yo no la terminé, fui a una escuela que en esa época era industrial, era muy exigente en determinadas cosas. Los chicos se dividen entre los que les gusta física, química y matemática, y los que les prefieren historia, lenguaje y geografía; y yo estaba entre estos. Pero la importancia de la escuela estaba puesta en lo otro, en dibujo técnico y esas cosas, entonces duré muy poco, repetí el tercer año y cuando lo estaba recursando, me di cuenta de que lo iba a repetir de nuevo y entonces dejé. Pero te digo que era una época que aparentemente no sonaba tan dramático dejar la escuela secundaria, mi viejo decía: "y bueno.., si no estudia que vaya a trabajar", mi viejo creo que tampoco había terminado la secundaria, así que no era una cosa de mandato familiar. Y durante un tiempo hice algunas cosas que no tenían que ver absolutamente con nada y después, a través de mi viejo, entré a una agencia de publicidad; algo que yo no tenía previsto y ni se me ocurría. Pero laburando me iba bien, aprendí mucho, la parte creativa de la publicidad realmente me parecía interesante y suponía que iba a seguir haciendo eso. Pero en el año 68 o 69 salió una revista que se llamó Boom, era una revista de información general de publicación mensual. Esa revista marcó un momento en Rosario, porque después no se volvió a repetir algo así: se juntaron una cantidad de gente medio de casualidad y eso funcionó durante dos años. Ahí un poco descubrí lo que era trabajar para una revista y lo que era trabajar para publicidad; aunque la limitación que te genera el producto y el cliente te marca un techo muy bajo, y sobre todo teniendo en cuenta en Rosario, que no era que te ibas a meter en la campaña del nuevo modelo de Ford. (La nota completa en la edición gráfica de Sudestada N°04) *Extraido Sudestada:http://www.revistasudestada.com.ar/web06/article.php3?id_article=247

Encuentro cercano de 2 tipos

La cosa se pone áspera,ya ni los alienigenas se salvan las normas contra los inmigrantes en USA.
Espero les guste y el titulo es para los nostálgicos fans de las viejas películas de Ci-Fi

Fer!

*La tira mas allá de ser de humor,toma este tema tan controvertido como es la ley de inmigración y pone en juicio de quien lo lee,como son tratados todas aquellas personas que intenten ingresar a EEUU que provienen de países vecinos o de cualquier otro punto del mundo y que por lo gral pertenece al llamado 3er mundo.
Destaco esta tira por sobre las otras,mas teniendo en cuenta que sus autores son norteamericanos,cabe destacar lo valeroso de exponer una realidad que muchos parecieran callar o no ver.Por lo tanto es políticamente incorrecta,mas allá de la tomadura de pelo de usar un alienigena como excusa,es fácil leer en esta tira una critica, de que todo aquel que no esta dentro de los cánones norteamericanos,debe someterse a la vejación,el manoseo y maltrato que provocan cierto sector mas xenofobo y recalcitrante de la derecha yankee.

2 al hilo de Tony D

Tony vs los crepusculeros:Si ya te pudrieron las peliculas de vampiros,melosas y predecibles,aca hacemos justicia que mierda.Tony para presidente!

Estacioná bien la que te parió:Tony cada vez esta mas intolerante con el prójimo,imagínense si viviera en la Argentina,no hubiera quedado titere con cabeza.Mientras nos deleitamos con otra muestra de su justicia implacable.

Fer!

Entrevista a Daniel Peixe(animador)

Hoy doy la bienvenida a Dimensión 2.5 a Daniel Peixe, todo un trotamundos de la animación, quien con tan solo 23 años y tras terminar Bellas Artes en Mallorca, aprovechó una beca para ir a la “London Animation Studio”.

Ahí comenzó todo, y ahora puede presumir de haber trabajo en estudios como Ulimeyer Studio, Cartoon Networks, Vanguard Animation, Keytoon Animation Studio, Ilion Animation Studios y Walt Disney Animation Studios.

La vocación es una clara constante para todos aquellos que se dedican a la animación. ¿En qué momento fuiste consciente de ello?. ¿Cómo fue tu evolución hasta tu primer trabajo de animación?.

Imagino que como mucha gente de este mundillo, desde muy pequeño sentí mucha curiosidad sobre cómo se hacían los dibujos animados. Recuerdo que de pequeño era un niño muy curioso y preguntaba mil cosas a mis padres sobre el tema, no veía normal que esos dibujos se movieran y estuvieran “tan vivos”, ¡tenían que ser creados por alguien!.

Mi insistente curiosidad me llevó a llenar los libros de la escuela de pequeños dibujos y bocetos. Ya en la adolescencia, llegó a mis manos un libro de Raúl García, explicando, en español y con todo lujo de detalles, cómo se hacían los dibujos animados. A partir de ese momento, el dibujo y la animación forman una parte destacada de mi vida.

En un pequeño estudio de Palma de Mallorca tuve la oportunidad de comenzar profesionalmente, concretamente para un proyecto de serie para televisión.

¿En qué consistía ese primer trabajo?.

Estuvimos trabajando en un trailer promocional para la serie “Honderos” que nunca llegó a producirse. Realizar el trailer conllevaba infinidad de retos para un grupo muy reducido de animadores, jóvenes y con cero experiencia. Fue algo muy intenso y emocionante a la vez.

Recuerdo que pusimos un anuncio, en un periódico mallorquín, buscando gente que le gustara la animación tradicional y tuviera interés en participar en el proyecto. Yo me encargué de poner una prueba a la gente que respondiera al anuncio, y de seleccionar a los posibles candidatos. ¡Era algo de locos!, ¡YO!, que apenas había empezado en esto, ¡ya ejercía de Supervisor!.

Al final fuimos un grupo de 3 animadores, haciendo la mayoría de la animación principal. Luego se contrató más dibujantes para la asistencia, “clean-up” e “in and paint”. También tuvimos que hacer mogollón de dibujos conceptuales para completar la “Biblia de estilo” de la serie.

En esa Biblia se incluía también las hojas de modelo de cada personaje, las sinopsis de cada capitulo y la guía general de diseño, incluyendo logotipos, tipografías, etc. Fue un trabajo muy duro, donde los 3 tocamos diferentes áreas de la producción y aprendimos mucho de la experiencia.También trabajaron duro el diseñador de personajes, el guionista y nuestro productor.

Al final todo el esfuerzo fue en vano, la serie no llegó a ser comprada en los diversos festivales donde se presentó, pero bueno, creo que nos sirvió a todos para aprender mucho de la profesión. Además, mientras hacíamos ese trabajo tuvimos pausas para realizar pequeños anuncios de animación para empresas locales, que suponían un soplo de aire fresco y para poner a prueba lo que habíamos aprendido.

Pero poco después llegó tu salto a Londres. ¿Cómo fue?.

Allá por el año 1999, la escuela de Bellas Artes de Palma de Mallorca me concedió una beca para estudiar en el extranjero algo relativo a mis estudios de ilustración que recientemente había finalizado.

Así que decidí llevar mi interés por la animación más lejos e ingresé en un programa de estudios de 6 meses impartido por la “London Animation Studio”. Allí fue donde realmente comencé a formarme profesionalmente, ya que, por primera vez , una persona con mas de 20 años de experiencia en la animación me daba autentica teoría y practica sobre el tema. En el proyecto de “Honderos”, estábamos todos muy “verdes”, trabajábamos por pura intuición, teníamos algún que otro libro por ahí en ingles con teorías y mecánica de la animación. Pero no es lo mismo cuando alguien te lo explica en persona , te corrige y te pone ejercicios muy concretos.

Gracias a mis trabajos en aquella escuela y a unos contactos, conseguí entrevistarme con Ulimeyer, el dueño de uno de los estudios más antiguos y respetados de la animación en Londres.

Muchos me decían que para llegar a animar en ese estudio, debías pasar antes por un largo periodo de asistente de animador. Yo debí “caerle en gracia”, porque recién salido de la escuela, me dio la oportunidad de animar un plano de “Nesquik”.

Fue algo muy curioso y surrealista para mi el trabajar en aquel anuncio, tenía a mi lado a un señor con 20 años de experiencia pasando a limpio mis dibujos!!!. Fue un sueño hecho realidad, sentarse en una auténtica mesa de animador de madera barnizada, muy bonita, como las de aquellos viejos documentales de Disney, con los que yo babeaba tiempo atrás, y trabajar dibujando a un personaje tan conocido como “Quicky”, el conejo de Nesquik.

¿En qué proyectos participaste?.

Pues estuve en dos anuncios de Nesquik, y luego otro de “Ugi” (unos cereales israelíes). Luego participé en un proyecto de serie para TV “Fred Bastard”. Más tarde el estudio se pasó al 3D con Maya y participé en una serie de 7 anuncios para la cadena de televisión digital SKY de Reino Unido. Además de otros trabajos varios, como hacer la animación de su página web, hacer dibujos clave para anuncios, etc. Recientemente he trabajado a distancia para él en un anuncio de “Domestos”.

¿Cómo era la metodología de trabajo?.

En Ulimeyer el método siempre ha sido puramente de animación tradicional, hasta que el estudio comenzó con el 3D. Uli contrató a un par de técnicos expertos en Maya y ellos establecieron el “pipeline” o método de trabajo. Al ser un estudio pequeño a veces era un poco caótico, debido a lo “verdes” que estábamos todos con el 3D, pero con mucho trabajo, se consiguió.

Usábamos Maya y referencias de animación de tal manera que el animador trabajaba solamente con las curvas de animación, y el modelador/rigger podía actualizar el personaje en caso de que diese problemas. Para el render se usó Mental Ray, la composición con Combustion y la edición con Avid.

¿Qué sacaste en claro de esta primera experiencia?.

Para mi trabajar en Ulimeyer ha sido la mejor escuela que he podido tener. El señor Meyer, habiendo trabajado en “Quién engañó a Roger Rabbit” con Richard Williams, en “Space Jam”, “Mickey´s Runaway Brain” entre otras maravillas, es toda una eminencia en el mundillo de la animación y aprendí mucho con él. Ademas, la gente que le rodeaba, creaban un ambiente artístico único y aprendíamos constantemente unos de otros.

¿Cuál fue el siguiente paso en tu carrera profesional?.

Entre otros estudios de Londres, hice trabajos para Cartoon Network como animador 2D usando Adobe Flash. Y también como diseñador de personajes para un proyecto musical “VBirds”.

¿Qué diferenciaba el trabajo realizado en Cartoon Networks con lo que hiciste anteriormente?.

Cartoon Network en Londres era básicamente una oficina muy grande, llena de oficinistas, productores, creativos, publicistas, etc., pero apenas tenían artistas o animadores, se les contrataba temporalmente para proyectos puntuales destinados solamente a la versión local de Cartoon Network.

Las series famosas se realizaban todas en EE.UU. El ambiente de trabajo, al ser una multinacional, no tenía nada que ver con mis experiencias anteriores. Pero bueno, me lo pasé bien haciendo algunos proyectos en los que me dieron libertad creativa total: desde el storyboard hasta la animación final, yo controlaba todo el proceso de unos pequeños anuncios que me encargaron.

También tuve la oportunidad de animar a “Mojo Jojo!” el mono malvado de las Supernenas!!!.

Tu etapa en Cartoon Networks finalizó cuando llegó a tu conocimiento que buscaban animadores para la película de animación “Valiant”, de Gary Chapman para Vanguard Animation. ¿Cómo lograste entrar?.

Lo cierto es que me costó bastante. Yo no tenía experiencia en películas, tuve que pedir referencias a Ulimeyer, y también me ayudó mucho mi colega Leo Sánchez, que ya era modelador en el proyecto.

Yo estaba algo desanimado con el tema y quería irme de vuelta para España. Encontré un estudio que pintaba bien en Barcelona, “Liontoons”. Estuve a punto de entrar pero Vanguard Animation me hicieron la oferta y acepté quedarme en Londres un año más.

¿Cuál fue tu labor en Vanguard Animation?.

Entré como animador. Durante un año completo tuve la oportunidad de trabajar con casi todos los personajes de la película, pero en mi equipo estuvimos trabajando especialmente con los hermanos gemelos “cachas” y tontos. En esa película quedó patente mi facilidad para llevar a cabo los planos cómicos y los supervisores se dieron cuenta de ello, así que me asignaron casi siempre ese tipo de planos. La verdad es que es el tipo de animación con la que mejor me lo paso, así que yo encantado!.

Era tu primera película de animación 3D. ¿Qué fue lo más traumático?.

12 meses era poco tiempo para hacer 1 hora y media de animación con un equipo de 30 personas. Los horarios y los tiempos de entrega fueron lo más duro. Por suerte, el estudio trataba de compensarnos todo lo posible. Fue una buena experiencia en general.

¿Qué tipo de compensaciones?.

En Vanguard tenían la política de tratar bien a los empleados siempre que fuera posible. Nos organizaban “picnics” o barbacoas en algunas ocasiones :-)

Cada viernes hacían una proyección en pantalla grande de los progresos de la película, lo llamaban “weekly”, y todos estábamos invitados a verlo y a tomar unas bebidas por cuenta de la empresa. Molaba mucho, ponían un cubo enorme lleno de agua con hielo y bebidas frías.

Era una manera genial de conectar con el resto del equipo y hacer algo de vida social. En estudios así tan grandes, con mas de 200 empleados, el trato se hace muy “frío” con la gente, a veces el contacto se reducía al e-mail. Los viernes teníamos esa ocasión de liberarnos de las tensiones del curro y conocernos mejor entre nosotros.

¿Qué retos suponía para ti la animación de este proyecto?.

Los pájaros de “Valiant” eran muy “humanizados” así que tenían como 2 modos de movimiento muy marcados: uno cuando estaban volando y otro muy diferente al estar de pie en el suelo.

En el primer caso, se intentaba que el aleteo fuera lo más parecido posible a un palomo real, en el segundo, el personaje debía ser más humano. Lo realmente complicado era cuando pasar de uno al otro!!!.

¿Qué software se usó en esta producción?.

Trabajamos con Maya durante toda la producción. Se usó RenderMan para el render final y Houdini para el plumaje. Para los efectos especiales no recuerdo exactamente con qué software se realizaron, pero sí recuerdo que contábamos con muchos plugins de creación propia. En especial “Chanko”, un editor genial de librerías de animación, muy cómodo cuando había que animar muchos pájaros en una sola escena.

¿Qué metodología de trabajo sueles seguir a la hora de animar?.

Ya sea en 3D o en 2D intento siempre tener toda la información que necesito sobre el plano en cuestión. Para ello hago muchas preguntas al director del proyecto hasta que lo tengo todo muy claro. Luego empiezo a dibujar ideas y conceptos, simplemente poses muy generales del plano. En algunas ocasiones, me grabo con una cámara para ver las diferentes opciones.

La siguiente fase es mostrar esas ideas al director o a los compañeros. Pero para ello tienen que estar bien presentadas visualmente. Es lo que llamamos el “blocking”, ya sea en dibujo animado muy básico o en 3D, se ponen esas poses a lo largo del tiempo, y se juega con el tiempo que hay entre pose y pose, hasta que consigues un ritmo que te gusta. En esta fase se supone que cambiar las cosas es fácil y no supone mucho trauma, así que trato de abrirme totalmente a las opiniones de los demás.

Una vez ese “blocking” está aprobado por el director viene “el momento de no retorno”, que no es otro que el de pulir la animación y añadir detalle poquito a poco de mayor a menor, comenzando por el centro de gravedad, la columna vertebral, las extremidades, la cara, etc.

Una vez la animación general del personaje está pulida, me pongo con todo lo considerado “secundario”, como la acción de las plumas en “Valiant”, o el movimiento de las correas del casco.

¿Qué aprendiste de esta experiencia en Vanguard Animation?.

Aprendí mucho en aquella producción. Era la primera vez que me enfrentaba a un proyecto de larga duración. El día a día presentaba muchos retos que antes no había experimentado. Además allí aprendí cómo funciona toda la producción de un largometraje de animación.

Lo siguiente fue ingresar en el equipo de producción de la película “Happily N’Ever After”. ¿Qué destacarías de esta película?.

Esta fue una película difícil ya que el presupuesto estaba muy ajustado, como en “Valiant”, pero además de eso, el equipo de animación estaba dividido en 3 ó 4 diferentes estudios repartidos entre Canadá, Australia y Berlín.

El equipo de rigging, tampoco estaba bajo nuestro mismo techo, con lo cual era un poco caótico a la hora de tener una buena comunicación y resolver problemas. Más tarde se contrataron riggers en el propio estudio de Berlin para que nos pudieran echar un cable a los animadores.

Mi labor allí fue la de animador de personajes, durante 8 meses. Los diseños conceptuales de la película eran muy atractivos pero el resultado final no fue todo lo bueno que se esperaba. No es la película de la que esté más contento, muy floja a nivel de historia, dirección y animación. Una pena.

También estuviste implicado en la pre-producción de “Toy Story 3″, ¿qué pasó, cuál iba a ser tu labor en el proyecto?.

Fui contratado como animador para “Toy Story 3″ durante unas sesiones de reclutamiento que Disney hizo en Londres. Me hizo mucha ilusión, pero más tarde, cuando faltaban unos meses para incorporarme, Disney compró Pixar y Lasseter pasó a ser Director General de Walt Disney Feature Animation.

Su primera decisión fue cancelar la producción de “Toy Story 3″, para que la pudieran realizar en Pixar con sus guionistas originales.

Después de una buena temporada trabajando en el extranjero, Keytoon Animation Studio provocó tu regreso a España. ¿Cómo fue el contacto?.

Durante un viaje de visita a un amigo en Valencia, éste me presento a los dueños de Keytoon Animation Studio. Y al visitar su estudio y ver lo que hacían, me quedé muy impresionando por su talento y su ambición.

Por aquel entonces yo estaba convencido de que iba a ir a “Toy Story 3″ y recuerdo comentarles que “si no fuese porque voy a Disney, me encantaría trabajar para vuestro estudio”. Más tarde se canceló lo de Disney y cumplí con lo que dije. Les llamé y ellos estuvieron encantados de tenerme como parte del equipo. Así que me mudé a Valencia.

¿En qué producciones trabajaste?.

Me encantó trabajar en Keytoon, allí el ambiente fue siempre muy relajado y divertido, tuvimos varios trabajos importantes, algunos para Disney Channel España, otros para empresas como Mattel, Wildbrain y Big Idea. Pero quizás el más divertido fue el cortometraje “The Grandfather of Soul”, dirigido por Jaime Maestro, uno de los por aquel entonces socios del estudio.

Mi labor con ellos fue la de Supervisor de Animación.

¿Qué me puedes contar la idea original y del proceso de creación del cortometraje de “Grandfather of Soul”?.

Desde que yo entré en el estudio, Jaime tenía la ambición de realizar un cortometraje con su personaje, el Dr. Maxwell, que ya había hecho aparición en otras demos y cortos de Keytoon. Pero esta vez, él quería hacer algo mas ambicioso, con una historia mas elaborada.

Estuvimos desarrollando storyboards para una historia, pero vimos que se nos hacia demasiado larga y el estudio necesitaría una inversión enorme para poder realizar el corto. Así que Jaime pensó que sería divertido hacer un pequeño vídeo musical con su personaje bailando de forma graciosa con la canción “I Feel Good” de James Brown.

Tenía tan clara que esa idea funcionaría que se grabó a si mismo e hizo un montaje con la canción. Cuando vimos el montaje, ¡el resto del equipo nos partimos de la risa! y nos pusimos en marcha con la producción convencidos del potencial del corto. Se hicieron multitud de bocetos y diseños para el “look” general del corto y el diseño de la habitación esa “viejuna” donde el personaje baila.

Aunque la idea general era graciosa, yo estaba convencido de que faltaba un final o algún golpe de efecto para acabar el baile de alguna manera. Así que presenté a Jaime mi idea, que consistía en que el personaje mientras bailaba, estaba destrozando poco a poco ese salón de la casa de su madre. Así que, después de destrozar el fonógrafo de una patada, aparece su madre y obviamente se cabrea con él y sin decir ni “mu” le castiga a su habitación, dándole una buena “colleja” al salir.

Presenté esa idea con una animación 2D muy básica y gustó mucho. ¡Así que nos pusimos manos a la obra en la creación de ese segundo personaje que era la madre!. Básicamente era la misma geometría que el Dr. Maxwell, solo que escalando sus proporciones y ¡poniéndole rulos!.

En fin, fue divertido poder trabajar en algo en lo que yo había aportado más que simplemente la animación. Al colgarlo por Internet la respuesta fue muy buena y nos sentimos realmente orgullosos de aquello que habíamos parido.

¿Y del proyecto “Alma” de Rodrigo Blaas?.

Resulta que en Keytoon ya conocían a Rodrigo por medio de unos contactos comunes. Y al parecer Rodrigo tenía desde hace tiempo la idea y el storyboard para un corto llamado “Alma“. Así que propuso a los dueños de Keytoon realizar el corto dentro del estudio, incluso Rodrigo se desplazaría a Valencia durante unos meses para poder dirigir a los artistas más de cerca.

Y así se hizo, tuvimos el privilegio de trabajar “bajo la batuta” de uno de los mejores animadores de Pixar. Incluso tuvimos el lujo de poder contar con charlas presenciales de algunos compañeros suyos en el estudio de Valencia.

Fue un autentica inyección de motivación e inspiración poder trabajar en ese corto que ahora está cosechando premios, como el “Best Animation” en LAShorts Fest y la Mención Especial del Jurado en Siggraph 2009.

Fue un proyecto muy bonito y complicado al mismo tiempo, ya que me di cuenta de lo mucho que me falta por aprender, lo pasas mal repitiendo y corrigiendo las cosas, pero te das cuenta que poco a poco vas superando esas dificultades.

A mi siempre me ha costado mucho hacer planos de animación sutiles, con pequeños movimientos casi imperceptibles, pero naturales… puede que “Alma” sea el trabajo más fino y sutil que ¡yo haya hecho hasta la fecha!.

Pero todo esto pertenece al pasado y hasta hace bien poco eras uno de los Supervisores de Animación de Ilion Animation Studios. ¿Cómo contactaste con ellos y qué causó el cambio?.

En Keytoon hubo una pequeña crisis de clientela y no hubo más remedio que abandonar el estudio y buscar alternativas.

Estuve en contacto con amigos que trabajan en EE.UU, para preguntar dónde podían buscar gente y mandé mi “relee” a varios estudios , incluso viajé al Siggraph aquel año pero sin mucha suerte. Así que me puse en contacto con un amigo mío de “Happily Never After”, que pasó a ser Jefe de Producción en Ilion Animation Studios y me comentó que el proyecto estaba ya en marcha y que necesitaban animadores.

Fui a visitarles y me enseñaron las pruebas de animación y los nuevos personajes que habían desarrollado. Quedé impresionado. Así que acepté el trabajo sin dudarlo.

¿Hay mucha diferencia en el flujo de trabajo de Ilion Animation Studios con, por ejemplo, Vanguard Animation?.

En Ilion Animation Studios estaba todo muy bien estructurado y pensado, pero se notaba una falta de experiencia general que no había durante la producción de “Valiant”. Sobre todo a nivel de planificación de producción, tiempos, entregas, etc.

¿En qué consistió tu labor en Ilion Animation Studios?.

Durante la producción de “Planet 51″ me ofrecieron el puesto de Lead de Animación. Eso significaba supervisar el trabajo de hasta 8 animadores en ocasiones. Asegurarme que los personajes mantenían una consistencia durante la sucesión de los diferentes planos, tanto a nivel de “acting” como de calidad de animación. Así como vigilar los tiempos de producción, fechas de entrega, etc. de cada animador. Todo eso además de animar mis propios planos, asistir a reuniones diarias, etc. Era algo agotador.

¿Qué nos puedes decir de tus ex-compañeros de Ilion?.

Pues hemos llegado a ser casi 40 animadores, contando gente de Fix Animation y Crowd (multitudes, extras, etc.).

Además había cierta diversidad de nacionalidades: alemanes, italianos, franceses, estadounidenses, etc. Fue genial trabajar con un grupo de personas tan diverso. Fuera del trabajo solíamos quedar bastante con los que venían del extranjero para realizar excursiones y que vieran un poco España :-)

Llegué a hacer muy buenas amistades allí, además de las que ya tenia, ya que mucha gente que estaba en el proyecto ya los conocía de otros estudios.

¿Qué me puedes destacar del apartado técnico de “Planet 51″?.

En Ilion Animation Studios usábamos 3ds Max 8 para toda la producción, aunque había un equipo bastante bueno de programadores y desarrolladores de herramientas que transformaban por completo el programa para adaptarse a las necesidades de cada departamento.

La simulación de tela era bastante compleja y en ocasiones nos reñían por animar “mal” al personaje, porque luego la simulación se no calculaba correctamente. Eso sí, el resultado final era impresionante.

La verdad es que yo no entiendo mucho de los “tecnicismos”, pero lo cierto es que en Ilion Animation Studios había una pasión absoluta por conseguir una calidad técnica perfecta en cada aspecto.

El modelado es impecable, las deformaciones y el “skinning” funcionaban siempre como uno esperaba. Las texturas y el “shading” eran una gozada verlas por el nivel de detalle tan minucioso que alcanzaban.

Para el render usábamos nuestro propio motor “Cyclops”, que obtenía unos resultados increíbles gracias a una simulación física real del comportamiento de la luz. Los efectos especiales, o sea, humo, explosiones, etc. eran buenísimos. No recuerdo con exactitud si lo hacían con Realflow, pero de lo que estoy seguro es que no tenían nada que envidiar a las mejores producciones 3D que nos vienen de EE.UU.

Los iluminadores también exprimían al máximo el nivel de calidad de sus escenas, y trabajaban largas horas y fines de semana para conseguir unos planos increíbles.

El “rigging” de los personajes era muy avanzado y fácil de usar, además se usaron técnicas de optimización muy buenas, de tal manera que podías darle al “play” y ver tu animación en tiempo real, súper suave, sin necesidad de hacer un previo. Eso sí, cuando había más de 4 personajes en la escena, aquello era imposible. Lo único malo era que los archivos de animación pesaban mucho, ya que no se usaban las referencias, como en Maya. Así que los tiempos de carga de una escena con muchos personajes se hacía eterno.

Pero por cada problema que surgía, se intentaba dentro de lo posible crear una herramienta o script para solucionarlo. Por ello, en el caso anterior, tuvimos a nuestra disposición una herramienta para “aislar” a los personajes y trabajarlos por separado. Una vez hecho el trabajo de animación, los volvíamos a componer en una misma escena para la siguiente fase.

También disponíamos de una herramienta para crear librerías de poses para la cara de los personajes, cosa que era muy útil cuando teníamos varios planos en continuidad animados por personas distintas.

Algo impresionante era que nuestra versión de 3ds Max no era para nada igual que el 3ds Max normal. Teníamos herramientas avanzadas de animación como el “Channel box” o una versión mejorada del “Graph editor”. Así como herramientas para hacer un “espejo” de las poses de brazos y piernas (algo realmente útil, creedme!), así como otras tantas herramientas personalizadas.

En resumen, técnicamente Ilion Animation Studios está a un nivel altísimo y gracias a “Planet 51″ se han desarrollado herramientas muy buenas que estoy seguro que serán muy útiles en las próximas producciones del estudio.

Pero nada de todo esto hubiese servido si no hubiera también un gran equipo artístico en combinación con la tecnología. Y debo decir que el equipo artístico en “Planet 51″ era espectacular, recuerdo que aunque estuviésemos “hartos” de verlos, flipábamos en colores con los dibujos conceptuales o el trabajo de “matte painting” de los artistas. Artistas que pintaban también las increíbles texturas y diseñaban los personajes, objetos y escenarios que formaban el universo de “Planet 51″. Sé que esto suena a publicidad, pero ya veréis cuando salga el libro de arte que no miento.

En el equipo de animación había también auténticos “cracks” que, sin apenas experiencia hacían animaciones dignas de Pixar.

Fue todo un lujo trabajar en ese equipo. Estamos todos bastante orgullosos del resultado técnico y artístico de la película. ¡Yo ya tengo unas ganas enormes de verla completamente terminada!!!.

¿Y qué hay de tu actual e inminente etapa en Disney?.

Como comentaba antes, allá por 2006 estuve a punto de mudarme a Los Ángeles para la producción de “Toy Story 3″ en Disney, pero el proyecto fue cancelado en el último momento por la nueva dirección de Disney.

Aún así mantuve el contacto con el estudio, enviándoles de vez en cuando mi demo actualizada, y preguntando por posibles nuevas ofertas de trabajo.

Cuando terminé mi trabajo en “Planet 51″ volví a preguntar a varios estudios americanos, y después de un tiempo sin respuesta recibí la oferta de Blue Sky Studios, con los que ya había mantenido contacto anteriormente, pero por aquel entonces aún estaba terminando “Planet 51″.

Me hizo muchísima ilusión y ya hacía preparativos para mudarme a Nueva York, pero dos días más tarde me llegó la llamada que esperaba después de una entrevista telefónica que tuve 2 semanas antes: Disney me ofreció entrar a formar parte del equipo de “Rapunzel”!!!.

Con mucho dolor tuve que decir “no” a la oferta en Blue Sky Studios , ya que “Rapunzel” suponía para mi un sueño inalcanzable pero que se hacía realidad.

Dirigida por Nathan Greno y Byron Howard (”Bolt”) la película nº 50 de Walt Disney Studios, estará basada en un cuento de hadas alemán de los hermanos Grimm. Una comedia musical con Alan Menken como compositor.

Glenn Keane (uno de mis dioses de la animación) será supervisor de animación y productor ejecutivo de la película, cuyo estreno está previsto para Navidades de 2010. Si todo va bien me incorporaré al estudio este próximo mes de Noviembre, ¡no os imagináis las ganas que tengo!.

Terminar la entrevista agradeciendo a Daniel su tiempo, más teniendo en cuenta mi “don de la oportunidad”, puesto que se encontraba con todo el alboroto de los trámites para mudarse a EE.UU.

*Extraído de Dimensión 2.5 http://www.entremaqueros.com/bitacoras/dimension/daniel-peixe-de-disney-animation-studios-en-dimension-2-5/

Yenny

Yenny el personaje creado por el gran maestro boricua Dave Alvarez.Realmente me gusta mucho el diseño y las tiras de este personaje,espero les guste a uds tambien.
Si quieren ver + de Yenny pueden visitar la galeria de su artista
http://yenny-zone.deviantart.com/nz&qo=1

Tony y las nuevas estrellas de Hollywood

Diseño de personaje

Una commission que me pidieron en estos dias de este personaje llamado Fire-Fury.
La historieta(que no dibuje yo) pueden conseguirla en http://www.smallpresssyndicate.com/

Version #2:Por sugerencias del amigo Martin Gimenez y el propio guionista a la versión anterior es esta versión alternativa sin calaveras ni salpícaduras de sangre.
Espero os guste chavaletes.

Fer!

la manzana de la discordia

Si te clavaste con un Iphone,esto es para vos ,Tony hace justicia,Peron dignifica :D


Fer!

30.000 hits en DA

El numero amerita hacer una ilustración para acompañarlo.
En este caso elegí a mi personaje Heroina pal festejo.
Un saludo a todo uds mis amigo y gracias por el aguante de siempre.

Fer!

Knightpriest:presentacion y tapa

KnightPriest la historieta dibujada este año x mi saldrá por Mega Comic esta listo para la venta.Una gran noticia para mi saber que esto ya tiene forma
http://megacomicsgroup.com/home/?p=736
Espero les guste el adelanto para uds samigos.

Fer!

Tony ama los Cosplay

El mejor autoregalo x mi cumpleaños,además de las anteriores entradas que les cuento las novedades en materia historietistica,es este engendro llamado Tony Destructo que me permite divertirme con las ocurrencias de sus creadores.No es mio completamente,pero pero parte de la creación del montruo,su locura y diseño si made in mi,ñec,ñec,ñec.

Fer!

Promo Koni Konfidential en la SDCC

Ya es un hecho amigos y puedo anunciarlo tranquilamente,este será el cover de mi próxima historieta que saldrá por Arcana comics,Koni Konfidential.
Es un trabajo encargado por su editor y guionista Mark Poulton http://www.newsarama.com/comics/mark-poulton-koni-brigade-100629.html ,dibujado por mi(lápices) y coloreado por Jenaro Pagan http://realmsofnowhere.blogspot.com/2010/07/koni-konfidential-at-sdcc.html
Y que segun leo en la entrada de Jenaro fue presentado en sociedad en la última edición de la convención de San Diego (SDCC 2010) y esta anunciado su venta para el año que viene.
Espero les guste y ya habrá más muestra de Koni en el futuro.

Fer!

El dia del hombre

Genio incomprendido?payaso mediatico?el primer trabajador del espectáculo argentino?sinonimo de la decadencia de la TV nacional?todo eso y mucho mas quizas.Si,si,es el mismísimo Pachano,nuestra version argenta de el sombrerero loco,Willy Wonka o porque no,Carlitos Chaplin y Cantinflas
De esa gran mezcolanza y todo lo que genera este tipo de personajes,es que se me ocurrió para simbolizar el dia del "hombre",que gentilmente nos ha invitado a representar Jorge Vila http://dihargentina.blogspot.com/ ,es que quise parodiar el afiche de la película Tiempos modernos del genial Charles Chaplin http://blogs.elcorreo.com/blogfiles/secuencias/tiempos-modernos.jpg .
Si,no me puteen,es un poco en serio y otro poco en joda,para mi ya hay un dia del hombre y es el dia del trabajador,no nos hace falta otro dia,pero apoyo esta iniciativa del colega Vila.
Todo esta trastocado y quizás se ha perdido el verdadero simbolismo del dia del laburante,tan manoseado y a la vez devaluado.
Quizás Mr Pachano simbolice ese nuevo hombre(chupate esa Nietzsche)un híbrido hermafrodita al que el sistema parece querer llevarnos a todos


Fer!


*Seh!yo me lo tomo un poco en joda,pero hay una verdad:el dia de la mujer,es en realidad el "dia de la mujer trabajadora".Por ende el dia del hombre es "el dia del trabajador".
O sea se ha trastocado el verdadero significado del dia y se lo ha tomado como una cuestion de genero,cuando detras de esa fecha hay una triste historia y a la vez una historia de luchas de las mujeres y hombres trabajadores.

El ataque de las abejas asesinas

No es el viejo album de la banda de trash Anthrax,ni el titulos de una pelicula clase B de la decada del 50, sino la ultima tira publicada en http://www.thewebcomicfactory.com/ de Tony Destructo.
Espero les guste majos!

Fer!

Tony vs los patovicas playeros

Adivina adivinador:a ver a quien le hace acordar uno de estos muchachitos inflados con anabólicos??

Fer!

(Tony Destructo #19 ©Christian Beranek & Tony DiGerolamo)

Magnetto y su poder ilimitado

El villano que con su poder magnético domina todos los medios.Pronto por su canal o diario amigo!!

Fer!Sosa

*Héctor Magnetto CEO del grupo Clarín caracterizado como el personaje de historieta Magneto,el archi-enemigo de los X-men.

primer premio de la rural

Un Julio Cleto para uds.Dejen su opinión,quiero un "si" o un "no" positivo :D

Fer!

*Caricatura de Julio Cleto Cobos a pedido de una revista política.

La Pulga y Carlitos

Dos pibes facheros de la seleccion argentina.Aguante la celeste y blanca,aunque ganes o pierdas no me importa una mier...


Fer!

Tony contra Mad Max

Este particularmente es uno de los que mas me gusta :D
Pobre Mel Guiso.

Afiche taller de dibujo e historietas

Bueno gente,al fin me largo con esto de dar clases de historieta,dibujo,ilustración y todo lo que reza el cartel.
Espero que tanto los mas pibes como los jóvenes y adultos que estén interesados en este taller,se lleguen y pregunten que para eso estamos.
Ya es hora de enseñar lo poco o mucho que uno ha aprendido de este oficio a quienes están comenzando o quieren perfeccionar su arte.

Fer!